блог artplay media

/

Жизнь, стили и эксперименты Пикассо — от «Голубого периода» до кубизма. Как художник разрушал границы привычного и создавал новые формы? Читайте в статье!

Пабло Пикассо — один из самых известных испанских художников XX века, его работы находятся в крупнейших музеях мира. Однако, как это часто бывает с гениями такого масштаба, он прошел сложный творческий путь, и его отношения с окружающими всегда были непростыми. В статье мы расскажем о том, как формировался уникальный стиль художника, через какие этапы он прошел и что на это повлияло.

содержание

февраль 12, 2025

пабло пикассо

Если хотите разобраться в творчестве Пабло Пикассо, биография художника поможет лучше понять его работы, его поиски и эксперименты.

Пабло Пикассо родился 25 октябрь 1881 года в городе Малаге (Испания). Легенда гласит, что ребенок родился мертвым, но присутствовавший при родах дядя Пабло, доктор Сальвадор, якобы закурил в этот момент гаванскую сигару и выдохнул дым в лицо младенца. Это оживило ребенка, который тут же начал кричать. Так эту историю рассказывал сам Пикассо, но это не делает ее более достоверной — художник любил мистификации.

Отец Пабло, Хосе Руис Бласко, был учителем рисования и художником, однако не слишком успешным. Он специализировался на натуралистичных изображениях дичи и птиц. Сам Пабло живопись отца называл «картинами для столовой».

Пикассо увлекался рисованием с детства, первые уроки он получил у своего отца. А уже в восемь лет юный Пабло написал свою первую картину «Пикадор». Затем была учеба в школе искусств в Ла-Корунье, где преподавал отец художника, и в школе Ла-Лонха в Барселоне. Первые работы Пикассо подписывал именем по отцу — Руис Бласко, но позже выбрал фамилию матери — Пикассо.

В 1900 году Пабло своим другом впервые приехал в Париж, где познакомился с творчеством импрессионистов. Его излюбленными сюжетами становятся персонажи и пейзажи Монмартра, Пикассо делает десятки набросков, жадно впитывает опыт авангардистов того времени, но не слишком увлекается их идеями — он понимает, что тогда не сможет сформировать собственный стиль.

В творчестве Пикассо выделяют несколько периодов, которые значительно различаются стилем, красками, приемами. Переход от одного к другому часто связан с поворотными событиями в жизни художника.

Голубой период (1901 – 1904)

В 1901 году совершил самоубийство Карлос Касагемас — друг Пикассо, с которым они приехали в Париж. Это потрясло Пабло, и его подавленность сказалась на творчестве. Самые мрачные картины того периода — «Смерть Касагемаса» и «Похороны Касагемаса» — становятся своего рода терапией, попыткой излечиться, воспроизведя травмирующее событие на полотне.

Но это не приносит Пикассо облегчения. Он пишет картины, затрагивающие темы смерти, печали, нищеты, и для этого использует синюю палитру, которая у него ассоциируется с трауром. Так начинается «Голубой» период в его творчестве. Самые известные картины того времени — «Любительница абсента» (1901 год), «Трагедия» (1903 год) и другие.

Некоторые исследователи считают, что на творчество этого периода и выбор палитры повлияло также возвращение художника в Барселону.
В творчестве Пабло Пикассо «Голубой» период характеризуется не только использованием определенной палитры. Бледность лиц, искаженность пропорций, удлиненность тел — основные черты.

1

2

Розовый период (1904 - 1906)

В 1904 году Пикассо вернулся в Париж. Там он поселился в Бато-Лавуар, знаменитом общежитии для бедных художников на Монмартре. В это время Пабло знакомится с натурщицей Фернандой Оливье, которая становится его музой. Печаль «Голубого» периода сменяется эстетикой нового, «Розового», вдохновленного образами из мира театра и цирка. В это время художник отдает предпочтение розовому, серому и золотистому тонам. На своих полотнах он изображает танцовщиков, клоунов, акробатов. Жизнь на цирковой арене так же полна трагедий, но в ней не ощущается такого отчаяния, которое испытывают обездоленные люди на картинах «Голубого» периода.

Переходным полотном между двумя периода становится знаменитая «Девочка на шаре» (1905 год). Еще одно известное полотно, написанное в том же году — «Акробат и юный арлекин». Образ Арлекина присутствует на многих картинах Пикассо, даже в пору его увлечения кубизмом. Некоторые исследователи полагают, что в этом образе художник как будто сам представал перед публикой.

Пикассо в это время не участвует в «Осеннем салоне» и не обращает внимания на художественные течения, набирающие популярность. Он ищет свой путь.

В 1907 году в «Осеннем салоне» в Париже была организована ретроспективная выставка работ Поля Сезанна. Они оказали решающее влияние на творчество Пикассо этого периода. Это заметно уже в картине «Авиньонские девицы», которую художник представил публике в том же году. В этой картине уже нет трагизма голубого периода или легкой меланхолии розового. Пикассо использует для нее охристые оттенки, которые создают интересный контраст с синим фоном. Лица девушек стилизованы под маски, и это тоже не случайность — картина была вдохновлена также и примитивным африканским искусством.

Именно за примитивизм этих масок и критиковал картину Жорж Брак, который считается основателем кубизма наравне с Пабло Пикассо. Между Пикассо и Браком часто случались профессиональные споры, но это не мешало плодотворному сотрудничеству.

Самый яркий творческий эксперимент Пабло Пикассо — кубизм. Художник хотел, чтобы его живопись отличалась от абстрактной, поскольку та была оторвана от действительности. Абстрактное произведение вызывает эмоции за счет использованных художником цветов и форм. Пикассо же не хотел терять связи с действительностью, но в то же время стремился упростить и как бы очистить изображение от деталей. Для его стиля характерны искаженные формы и пропорции, разделение объекта на геометрические фигуры, изображение его как будто дано в нескольких ракурсах. Для зрителей той эпохи такие картины выглядели шокирующими.

В 1909-1910 годах Пикассо продолжает свои эксперименты. Так рождается стиль, который позже назовут аналитическим кубизмом. Его основные черты:

стремление проникнуть в суть предмет;

разложение объекта на части.

Такие картины могут быть сложны для восприятия, и художник сокращает свою палитру. Яркие работы того времени — «Женщина в зеленом» (1909 год) и портрет Амбруаза Воллара (1910 год). Пикассо отказывается от копирования модели, сдержанно использует цвета, отдает предпочтение подчеркнутой строгости линий. Он не воспроизводит внешние детали, считая их несущественными.

Следующим этапом в развитии стиля стал синтетический кубизм. Зимой 1912 года Пикассо и Брак, которые продолжали сотрудничество вплоть до Первой мировой войны, придумали новую технику. Это был коллаж, суть которого состояла в том, что кусочки газеты или цветной бумаги наклеивали на холст. Каждый такой кусочек становился отдельным объектом, потому что имел определенную форму. Пикассо также использовал для коллажей клеенку. Это нарушало многовековую традицию живописи, которой предписывалось использовать для изображения предметов только краски.

За этим экспериментом с материалами последовали новые. Например, Брак начал использовать лаки и скребницу, которые применяются малярами. Пикассо перенял его опыт, например, он использовал эти инструменты при создании картины «Поэт» (1912 год). Также для картин художник использовал ротанг. Отсюда и название — синтетический кубизм, поскольку коллаж предполагает синтез материалов. Изображение при этом получалось фрагментированным, и художник вписывал в картину «ключи», то есть буквы и цифры, позволяющие зрителю понять суть полотна.

1

2

3

передача ощущения пространства, в котором он находится, при отказе от перспективы и глубины;

В Первую мировую войну художник оставался в Париже. К 1918 году он уже открещивался от кубизма, но в первые годы войны еще продолжал развивать этот стиль. В это время он в основном пишет натюрморты, однако они кажутся более жесткими и холодными — так на творчестве художника сказывается война.

Гертруда Стайн вспоминала, что однажды в начале войны они с Пикассо шли по бульвару Распай, мимо них проезжала колонна тяжелых орудий, на которых краской были нанесены зигзагообразные линии для маскировки. Пикассо был поражен тем, как быстро его метод разложения объекта на части наше применение в военных целях.

Переломным моментом в его творчестве становится 1925 год, когда Пикассо представляет публике картину «Три танцора». Теперь в манере художника нет ничего от неоклассицизма, но и к кубизму он больше не возвращается. Начинается самый сложный период в творчестве Пикассо, во многом вдохновленный поэзией сюрреалистов. Его картины кажутся агрессивными, их персонажи как будто орут, разрываются на части, бьются в конвульсиях. Однако и этот период длится недолго.

В 1936 году началась гражданская война в Испании. В апреле 1937 года Париж ошеломила новость — немецкие бомбардировщики, действовавшие в составе войск Франко, стерли с лица земли небольшой баскский городок Гернику. Это настолько поразило самого Пикассо, что он за два месяца создал громадное полотно «Герника», которое сегодня считается наиболее известным произведением художника. Это не столько политическое, сколько антивоенное высказывание Пикассо. Использование светлых и темных монохромных красок создает тревожное ощущение и передает всполохи пожара.

Вторая мировая война застала Пикассо во Франции. В первые месяцы оккупации Парижа художник чувствовал себя выбитым из колеи и работал сравнительно немного. Друзьям он говорил, что это не его война, и он не хочет превращаться в художника-репортера, которого интересуют только сиюминутные сюжеты. Настоящей войной он считал только гражданскую войну в Испании, которая началась в 1936 году. Пикассо оставался в Париже на протяжении всей немецкой оккупации, иногда писал портреты и скудные натюрморты, подчеркивавшие суровость эпохи (например, «Натюрморт с бычьим черепом»).

Предчувствие ужаса войны, нависшей над Европой, повлияло на стиль Пабло Пикассо в предвоенные годы. Тревогой окрашены даже полотна нейтральной тематики (например, картина «Рыбная ловля ночью на Антибах», написанная в 1939 году). Женские лица на портретах нарочно деформированы и искажены плачем (как на картине «Плачущая женщина», написанной в 1937 году).

В 1915 – 1916 годах после смерти своей возлюбленной, Марсель Умбер, Пикассо подавлен, работает меньше. Ему тяжело находиться в своей старой студии. В 1917 году он приезжает в Рим. Там он знакомится с Ольгой Хохловой, которая вдохновила его изменить стиль. Теперь в картинах Пикассо кубизм смешивается с реализмом, краски становятся ярче — такое творчество легче воспринимается публикой. Портрет самой Ольги, которая вскоре станет его женой, Пикассо пишет в реалистичной манере, потому что девушка не воспринимает авангардную живопись. Так появляется «Портрет Ольги в кресле» (1917 год), выполненный в манере Энгра.

В первые годы в Париже музой Пикассо была натурщица Фернанда Оливье — со знакомства с ней начался «Розовый» период в творчестве художника. Пабло и Фернанда расстались мирно, и вскоре художник познакомился с Марсель Умбер, которую называл Евой. Изображения гитар и скрипок на картинах того периода — это своего рода закодированные портреты хрупкой красавицы Марсель. К сожалению, девушка рано умерла от туберкулеза.

Художник дважды вступал в брак — в 1917 году с Ольгой Хохловой, с которой развелся через 18 лет, и в 1961 году — с Жаклин Рок. Однако Пабло практически никогда не мог хранить верность одной женщине. У него были короткие романы после смерти Марсель Умбер, он изменял своей первой супруге, которая отчаянно ревновала его даже к Фернанде Оливье, с которой он расстался задолго до знакомства с Ольгой.

Самые продолжительные связи были с Марией-Терезией Вальтер и Франсуазой Жило. При этом он не скрывал своих отношений, соперницы могли устраивать друг другу скандалы, которыми художник наслаждался — это тешило его самолюбие.

После войны родился миф о Пикассо. Его работы стали популярными в Америке еще до войны, а после освобождения Франции для американцев мастерская художника стала такой же обязательной к осмотру достопримечательностью Парижа, как Эйфелева башня. Сам Пикассо стал символом сопротивления, хотя на самом деле он не принимал активного участия в политических процессах.
После войны Пабло уехал на юг Франции. Перемена обстановки сказалась на его творчестве, созданные в этот период картины получились яркими и жизнерадостными, средиземноморскими по духу. Однако со временем все больше сил художник отдает гравюрам и офортам. В 1968 году он выполнил знаменитую серию «347» — всего за несколько месяцев. В этой серии было представлено много рисунков эротического характера, вдохновленных в том числе картинами Энгра.

Именно за примитивизм этих масок и критиковал картину Жорж Брак, который считается основателем кубизма наравне с Пабло Пикассо. Между Пикассо и Браком часто случались профессиональные споры, но это не мешало плодотворному сотрудничеству.

Самый яркий творческий эксперимент Пабло Пикассо — кубизм. Художник хотел, чтобы его живопись отличалась от абстрактной, поскольку та была оторвана от действительности. Абстрактное произведение вызывает эмоции за счет использованных художником цветов и форм. Пикассо же не хотел терять связи с действительностью, но в то же время стремился упростить и как бы очистить изображение от деталей. Для его стиля характерны искаженные формы и пропорции, разделение объекта на геометрические фигуры, изображение его как будто дано в нескольких ракурсах. Для зрителей той эпохи такие картины выглядели шокирующими.

Пабло Пикассо — один из самых интересных художников прошлого столетия. Его творчество неоднозначно, оно не раз подвергалось критике и не всегда хорошо воспринималось публикой. Но сейчас у вас есть возможность составить собственное представление о нем — посетите выставку в центре ArtplayMedia, и вы сможете взглянуть на многие картины по-новому!